Jusqu’à présent je ne n’ai fait que poser le contexte sans réellement aborder la véritable claque que m’a donnée Catherine. Tout ce dont j’ai parlé plus haut est bon, de bonnes facture, de qualité, mais encore une fois tout cela ne serai que du vent si le jeu n’était porté par un thème / une histoire que j’ai trouvé génial. On y vient … Avant de me lancer je croyais que le scénario de Catherine reposait sur une sorte de marivaudage amoureux entre Vincent, sa petite amie Katerine et sa maîtresse Catherine, que c’était une histoire légère, légèrement coquine, voir érotique qui se servait de cette légèreté comico sensuelle pour appâter le joueur et le faire rester sur un bête puzzle game. Mais ce n’est pas cela du tout que propose le jeu. Bien sûr, il y a bien un triangle amoureux entre Vincent, Katerine et Catherine mais il n’est pas traité par la légèreté ou le grivois ; le jeu, sur un toile de fond noire comme un polar tendance horrifique, aborde la question des relations amoureuse par le biais de la métaphysique, ou pour éviter d’en rebuter certains par le biais de l’introspection - pas sûr que la formule soit plus glamour ^-^ -. Vincent Brook est un trentenaire engagé depuis quelques années dans un couple qu’il forme avec une femme belle, carriériste, légèrement castratrice, et qui dès le début du jeu fait comprendre à son petit ami qu’elle a besoin d’engagement, bébé et mariage. Sans être un loser de bas étage, Vincent Brook est un homme un peu lâche, pleutre, préférant fuir les problèmes et surtout le changement. Vincent est un homme, normal, sans autre ambition que de désirer que rien ne change. Il va donc se trouver confronter à sa petite amie qui lui demande des engagements et des changements et à Catherine, la maîtresse qu’il rencontre le premier soir et qui est imprévisible, légère et ne semble rien attendre de sérieux de lui.

Dès lors que les personnages seront campés dans le jeu Vincent sera tiraillé par des situations qui engendrons des choix et les interventions du joueurs - que ce soit dans certains choix dans les dialogues ou par les réponses qu’il fera aux SMS qu’il reçoit - feront pencher Vincent vers l’honnêtes ou le mensonge ce qui influera sur la suite de l’histoire. À aucun moment - sauf à la fin du jeu - le jeu n’est dans le registre comique. Le jeu aborde les thèmes qu’il soulève de façon réaliste, l’adultère, l’engagement, l’amour, la paternité, etc. et c’est tout bonnement génial. On entend souvent parler les joueurs de la maturité du jeu vidéo, de son manque d’originalité ou au contraire de sa vigoureuse créativité ; avec cette histoire et ce traitement Catherine fait pour moi un grand pas en avant pour le jeu vidéo. Tout simplement parce que pour la première fois de ma vie j’ai eu la sensation qu’un jeu vidéo s’adresse à moi, directement à moi, qu’il traite de problèmes, de questions que je me pose naturellement et c’est ça l’énorme claque de Catherine.

Je crois que tous les hommes de ma génération ont été confrontés au moins en parti à ce que traverse Vincent Brook ; la question de l’engagement, la peur de la paternité, se sentir ou non capable de faire le deuil d’une vie - sa vie de célibataire et d’adolescent - pour en construire une nouvelle liée / enchaînée à une autre personne. Catherine est loin d’être le premier jeu à proposer des choix « moraux » aux joueurs, mais là où généralement je m’amuse à composer un personnage, j’ai pu totalement calquer les réponses de Vincent à ce que je pense moi-même. Les jeux qui nous proposent soit d’être un tueur sans cœur ou un pieu sauveur du monde - oui je caricature -, nous mettent devant des choix que nous ne feront jamais - en tout cas je l’espère pour vous -, et si je choisi d’être un tueur sans cœur c’est par pur amusement, parce qu’en réalité je serai incapable de tuer. Mais Catherine met les hommes devant des choix qu’ils ont nécessairement connus s’ils se sont posé quelques questions sur leur vie de couple, ou s’ils ont un jour été soumis à la tentation d’être infidèle parce que dans leur couple ça se passait mal, etc. Quel homme ne s’est jamais retrouvé à échanger des texto coquins juste pour le plaisir, en ce disant que cela ne prêtait pas à conséquence ? Comment ne pas avoir d’empathie pour Vincent quand il fait cela ? Nous autre trentenaires nous avons tous à un degré différent une part Vincent Brook ; et d’ailleurs je me demande si la mollesse des testes de ce jeu ne sont pas dû au fait que les testeurs étaient trop jeunes, à moins qu’ils n’aient été trop sage et parfaitement étranger à ce que peut vivre Vincent …

C’est brillant ! Le traitement réaliste de cette situation, c’est du pur génie dans un paysage vidéoludique qui ne se croit mature que, lorsqu’il fait dans l’horreur. Mais Catherine est un jeu qui témoigne d’une véritable maturité sur le plan scénaristique ET narratif. Chaque étage se termine par un niveau dans lequel Vincent est poursuivi par un boss issu de ses cauchemars ou de ses angoisses. Quand j’ai traversé le niveau où Vincent est poursuivi par un bébé monstrueux j’ai été scotché. Non pas parce que mettre un bébé monstrueux me choque, des années de Silent Hill ont immunisé les joueurs à cela, mais parce que j’étais admiratif que le jeu mette en scène ce refus de la paternité, la phase de gameplay devant un parfait écho aux phases narratives précédentes.

Si le thème et le traitement du thème sont brillants, la narration l’est tout autant. Aborder cette thématique aurait pu rapidement virer à l’ennuyeux parce que l’on pourrait se dire que le joueur va rapidement identifier la situation, repérer le « bien » et le « mal », la gentille et la méchante Catherine / Katerine et donc pouvoir adopter une posture. Mais la force de Catherine, le jeu, est de brouiller les pistes et d’insinuer dans le doute dans l’esprit du joueur. Même si le degré d’identification avec Vincent est très fort, rappelez-vous que le jeu s’ouvre en nous disant que le joueur sera spectateur, on est donc en mesure de jauger ce qui est bon pour Vincent puisque nous sommes extérieurs à lui. Mais là où le jeu est retord, et il nous amène à douter de Catherine comme de Katerine ; laquelle sera notre planche de salue et laquelle sera notre planche savonnée ? Et d’ailleurs Vincent peut-il faire un choix qui soit celui du bien ? N’est-il pas voué à faire un mauvais choix ?  Pour mieux comprendre cela, je crois qu’il faut revenir aux phases dans le bar. Elles commencent sur Vincent attablé avec ses trois amis qui débriefent ensemble ce qu’a fait Vincent, ses choix, son infidélité, ses doutes, etc. Ces passages-là possèdent quelque chose d’assez proche de Sex and the City, quatre amis dont chacun est un archétype, abordent des sujets autour de l’amour, du couple, de l’engagement, de la tromperie, rien que cela, rien que mettre ces discussions dans la bouches des hommes est une audace. Quatre archétypes et donc quatre types de points de vus et déjà autant de pistes différentes.

Et puis il y a la toile de fond polar horrifique du jeu, ces rêves, la raison de ces rêves, ces morts, la logique de ces morts qui surviennent chaque jour, morts inexplicables, pourtant ce qu’il y a d’intéressant c’est que les garçons, au départ évite de parler des rêves, des morts, ils ne croient pas aux rêves parce que des garçons c’est rationnel. Mais petit à petit le jeu prend un tour lynchien parce que dans le bar Vincent peut discuter avec des hommes dont le joueur comprend assez rapidement qu’ils sont pour certains les moutons qui accompagnent Vincent dans ses escalades nocturnes. Le joueur devient donc instruit d’une dimension qui échappe à Vincent et ses amis même si la serveuse du bar, la très sémillante Erika, n’a de cesse de faire revenir ces rêves dans la discussion. Et puis il y a les morts, les morts inexpliqués dont les informations télévisuelles ne cessent de parler et personne ne fait le lien entre les rêves et les morts sauf bien sûr le joueur et plus le scénario progresse et plus le joueur prend de la distance avec les héros. Et puis il y a les rumeurs qui grandissent, reviennent dans les discussions parlant de malédictions des hommes infidèles, de sorcière, de vengeance, ceux qui y croient, ceux qui doutent et ceux qui ont des arguments contre ces rumeurs ; et déjà que le joueur a du mal à identifier la voie à suivre dans ses relations amoureuse, le jeu prend un tour mélancolique, flirt avec le macabre, et crée du doute, du trouble, toutes ces petites choses créant un climat interlope qui fait grandir les angoisses de Vincent et fait croitre les doutes du joueur. La dimension lynchien de ce jeu fait monter petit à petit la dimension fantastique sans réellement dire son nom, parce que tout cela pour se solder par un retour à la raison qui permettrait d’expliquer et d’expier tout. Ce récit qui n’est au départ qu’une simple histoire de coucherie devient une histoire dont on n’arrive pas à cerner les contours. Et quoi de plus lunchien dans un film / jeu / histoire que la dualité . Celle du jeu qui à mesure qu’il se déroule donne plus d’importance aux phases dans le bar, qui deviennent comme un alter ego des phases d’escalade. Mais surtout la dualité des personnages hommes / moutons qui révèlent à travers cette double existence ce que l’on peut supposer comme un vrai visage des mâles et en vis-à-vis il y la dualité Catherine / Katerine qui à l’inverse des hommes qui sont des personnages à double facette, semblent être les deux facettes d’une unique personnage. On pourrait augmenter la liste des dualités qui traverse le jeu en parlant de dualité réalité / rêve, réalisme / fantastique qui travaille le jeu comme l’illustration de la tension entre ordre / chaos, raison / imagination.

Cette narration est remarquable, elle ne dit jamais les noms des choses, elle construit du doute, du trouble, des fausses pistes et rend le joueur accro, en tout cas je l’ai été totalement. Et c’est une chance parce que plus on progresse dans la tour et plus les casse-tête sont complexes. Vu que je ne suis pas un très bon joueur, je me suis retrouvé plus d’une fois coincé dans un niveau. Pour donner une échelle de ma médiocrité manette en main, je suis resté plus de 50 minutes sur le premier niveau du second étage. Si je n’avais pas été accro à cette histoire, tenaillé au corps par l’envie de voir la suite et mettre à l’épreuve du jeu mes intuitions il y a fort à parier que j’aurai laissé tombé le jeu. Mais je me suis accroché, plus encore, j’ai fait ce jeu en deux jours et deux nuits, presque d’un trait. Il y a très longtemps que je n’avais pas connu cela, le fait d’être passionné par un jeu mais plus que ça, dès le départ ressentir la nostalgie que le jeu se finisse trop vite. Vu que la tour à un nombre d’étage défini on sait rapidement que le jeu sera court et même si l’on a envie de le dévorer, le dévorer nous rapproche de la fin et moi cela m’a rendu un peu triste dès le troisième étage. Là encore, la « chance » c’est que le jeu est triste, en tout cas nimbé de tristesse, vous pouvez par exemple mettre dans le juke-box une interprétation de la marche funèbre un peu jazzy que je trouve envoûtante et donc ma tristesse de joueur étant en harmonie avec la tristesse des personnages. Sans la force de ce scénario avec lequel j’ai fait entièrement corps, je n’aurai pas trouvé la motivation pour persévérer ; pour l’anecdote j’ai fais le jeu durant ma panne internet, et j’ai donc même pas pu passer par une soluce pour trouver comment débloquer les passages sur lesquels j’échouais. Il faut dire que si le principe du jeu est simple à comprendre, c’est un peu plus dur d’en maîtriser toutes les subtilités. Cela donne à la progression du jeu, en plus de pouvoir avancer vers la suite / fin de l’histoire , un vrai sentiment de gratification quand on franchi un passage où l’on est resté bloqué longtemps. La contrepartie c’est que je trouve que la rejouabilité perd un petit peu de son challenge quand on relance l’histoire - pour connaître les autres dénouement que le jeu permet -, parce qu’avec l’expérience acquise sur les derniers étages, passer les étages précédent devient vite une formalité. Il reste les modes de jeux en dehors de l’histoire qu’il faut débloquer en obtenant un trophée or je crois dans le mode histoire, cela relance le challenge, mais je trouve que démunie de son scénario le principe est sympa mais le jeu est moins accrochant.

Je crois que j’ai dit tout ce que je pouvais dire sur ce jeu sans trop en dévoiler le cœur, la moelle et le talent. Je devrais peut-être pourtant revenir sur des choses très concrètes mais tellement réussies qu’elles méritent d’être soulignées. C’est premièrement le doublage du jeu ; je n’ai pas fait la version asiatique, mais la qualité des doublages américains est vraiment convaincante et ajoute indéniablement un plus pour l’immersion ; c’est d’ailleurs toutes la qualité sonore du jeu qui est à souligner, tant la douceur de la bande-son, la qualité des doublages, le choix des voix, les bruitages. Et la seconde chose sur laquelle je voudrais revenir est dans la continuité de la première, c’est le caractère design du jeu, presque au sens de réussite esthétique. Si on met à part les phases de puzzle qui dont l’esthétique est sommaire voir minimaliste, le reste du jeu, cinématiques, passages dans le bar, l’appartement de Vincent, le design de tous les personnages que l’on croise, etc. est vraiment réussi. Cela aussi opère à rendre le jeu plus attachant, à s’immerger encore plus dans cet univers, à s’attacher aux personnages et à prendre sa claque. Si je devais avoir deux défauts pour ce jeu, c’est d’une part justement le gap graphique entre tout l’univers, l’habillage du jeu qui sont riches, fins et précis et les phases d’escalades qui sont pauvres et limites moches graphiquement, passer d’une phase à l’autre au début ça pique toujours les yeux. Et la seconde chose c’est la maniabilité toujours dans les phases de puzzle. À jouer au stick analogique de la PS3 c’est l’enfer, c’est imprécis, lent, mou et donc très énervant. On se rattrape en jouant à la croix, ça ne pose donc pas vraiment de problème mais je tenais à le souligner quand même.

Cette fois je crois que j’ai dis tout ce que j’avais à dire, j’ai partagé tout ce que je voulais vous partager, je pourrais resté là encore des heures à vous dire tout le bien que je pense de ce jeu, tout le plaisir que j’ai eu à pouvoir faire faire à Vincent mes propres choix et tout le plaisir que j’ai eu avec la fin que j’ai eu - quelle jubilation et quel humour -, je pourrais en parler longtemps tout simplement parce que j’aime parler des choses que j’aime, disserter sur les citations sur l’amour qui émaillent le jeu, débattre des pistes que le jeu s’amuse à lancer, les clins d’oeils aux jeux vidéo, la liberté de ce saouler sans que ça ne soit mauvais pour le personnages, je pourrais vous dire que ce jeu entre dans mon top 3 des jeux de cette génération, top dans lequel se trouve déjà Ni No Kuni et vous dire que je ne sais pas quel est le troisième titre de la liste actuellement, bref je pourrais continuer de bloguer mais je crois que j’ai fais déjà assez long. Alors en 4 mots comme en 3642 : Jouez à ce jeu !

Note : la note maximale pour cet article parce que j’ai aimé écrire sur ce jeu autant que j’ai aimé y jouer et je crois surtout que je suis arrivé à aborder tout ce que j’ai éprouvé comme sensations / sentiments en y jouant. C’est assez rare que je dévore un jeu en deux jours et que, dans la foulée, j’écrive sa critique. D’habitude je prends plus de temps pour réfléchir, maturer, et accoucher mes articles. Mais là ce jeu, c’est comme un coup de foudre, un coup de cœur, et l’article est quasiment sorti tout seul. En plus, je crois que j’ai réussi à parler de ce que j’ai aimé, comme les fausses pistes ou la nature interlope des deux Catherine / Katerine sans vraiment spoiler le jeu, et ça j’en suis assez satisfait. Bref, un article comme j’aimerais en écrire plus souvent - et comme j’espère vous aimeriez en lire plus souvent -

De toute façon, si je suis critique avec Max Payne 3 c’est justement parce que je le trouve grossier en matière d’ambiance. Max Payne est un héros de jeu vidéo abîmé par la vie et hanté par ses démons et la mort de sa femme et de sa fille. Il a de quoi être sombre et dépressif. Alors Max il boit, il boit beaucoup et il boit trop en plus il fait des mélanges avec des médicaments. Du coup on met sur l’image du flou, des filtres colorés, des images qu’il voit en double parce qu’il est défoncé, des mots qui s’inscrivent sur l’écran comme si Max ne captait que certains termes dans les conversation. Et comme Max est un raté il a été congédié de la police et parce qu’on peut toujours descendre plus bas dans le malheur, Max a été engagé par des gens qu’il méprise qui l’écrasent socialement alors Max continu à boire. Comme il est une âme en peine déracinée à ses origines urbaines en couleurs sombres, bleutées, grises et crasseuses on a substitué un décor de pacotille, coloré, chatoyant, lumineux, luxueux, alors Max il boit. Et comme si ce n’était pas suffisant Max quand il a bu il parle, il se plaint, il explique sa déchéance, il commente son enfer, il se complait dans son rôle de sous-merde. Et comme Max est une sous-merde il échoue dans ses missions quand il doit protéger telle ou telle personne. Alors Max il s’en veut et il boit et se perd. Et comme Max il se perd il perd son image, il se rase la tête, il est gros, mal habillé, abîmé, blessé, crasseux et ça le fait chier Max alors il déprime. Etc. Etc. Etc. On pourrait croire que j’exagère et que je caricature mais malheureusement c’est exactement le contenu de ce jeu. Tous les effets se suivent, s’accumulent, s’ajoutent les uns aux autres, se paraphrasent, se concurrence, se croisent, se mêlent et selon moi finissent par se neutraliser s’ils ne finissent pas par écoeurer le joueur plus vite qu’ils ne tuent Max. Une seule ficelle aurait été suffisante pour faire comprendre les intentions, un seul style aurai permit de poser l’ambiance. Mais c’est comme si Rockstar avait refusé de choisir une seul direction artistique et s’était entêté à tout accumuler. En plus je ne vous spoile pas le scénario mais on ne peut pas dire qu’il avance dans la subtilité ; le jeu est là pour faire vivre un enfer à Payne et il le fait. Et je trouve ça dommage parce que cette surabondance d’effets, de signes, de signifiants gâche très clairement l’expérience de ce gameplay pourtant parfaitement rôdé.

• Cela m’a sauté aux yeux lors d’un flashback où Payne se retrouve dans sa ville natale, dans la nuit, dans un cimetière. On se retrouve dans l’obscurité, une ambiance froide, bleuté et finalement très discrète ; dans ce flashback on retrouve aussi l’allure que Max avait avant quand il avait de l’allure justement ; et expurgé des scories détestables qui font les apparats de Max Payne 3 ce passage fonctionne très bien, le gameplay va même jusqu’à retrouver sa cohérence.

Parce que oui, si on s’y penche ce jeu repose sur une parfaite absurdité, une incohérence si grande que personne ne semble la voir. Comme je l’ai souligné dans cette critique Max Payne est un homme brisé, dépressif, la plus part du temps bourré et que ce n’est pas le cas avec la gueule de bois, lui-même souligne qu’il est vieux et gros, lourd et fini, pathétique. Et donc ce mec que l’on nous présente comme une loque, ce que lui-même confirme cela par ses longs monologues, est capable de sauter et, au ralenti, d’ajuster les cibles qu’il mitraille sans états d’âmes. Il est capable de se relever et de replonger traversant le décor comme une météorite qui canarde ses balles sur ses assaillants avec une précision d’orfèvre. Pis que cela, Payne est capable de descendre d’une seule balle dans la tête un militaire suréquipé et surprotégé à plus de 50m. Et quand Max se prend une balle qui le met à terre il est capable dans un dernier sursaut d’aligner son agresseur et alors qu’il chute, choit comme une merde sur le trottoir il est capable d’une riposte dont la précision n’a d’égale que l’efficacité. Alors d’accord nous ne sommes pas dans un jeu réaliste me direz vous, c’est un chez arcade, d’accord. Mais quand on prend la peine de créer un personnage, de le surcharger d’un déterminisme de l’entropie n’est-il pas absurde qu’il conserve un tel talent d’élite une fois les armes en mains ?

Au final j’ai la sensation que Rockstar avait un moteur, une belle mécanique de jeu et qu’il y on greffé une histoire, un scénario, une ambiance de façon arbitraire sans se soucier de savoir si cela avait du sens. Et on sort de Max Payne 3 avec une impression étrange le plaisir intense du gameplay quand le jeu te permet de s’y plonger et un sentiment de nausée provoqué par la lourdeur cradingue de la mise en scène. D’ailleurs il parait que le multi de Max Payne 3 est meilleur que son solo, ayant depuis des mois une connexion déplorable je ne peux pas en parler, mais le bon sens me fait penser que débarrasser de la lourdeur de son scénario et de ça mise en scène le jeu est calibré pour prendre du plaisir pour peu que l’on soit porté sur la gâchette et la violence facile.

• Au delà des défauts et des qualités qui traversent ce jeu pour moi Max Payne 3 est un des jeux que j’ai trouvé les plus violents de cette génération de console. Ce qui est curieux c’est que j’arrive difficilement à cerner la raison de cette impression. Il se dégage un côté brutal du jeu ; peut-être l’abondance des affrontements ; peut être aussi la scène de revanche quand Max se prend une balle mortelle et qu’il peut riposter et que l’on suit la balle pour voir comment elle explose l’ennemi ; peut-être est-ce le dernier ennemi d’une vague sur lequel on peut s’acharner avec un beau ralenti pour voir les balles qu’on lui tirer entrer en lui ; peut-être plus sûrement que le reste c’est la dimension die en retry, Max meurt souvent, Max revient, Max meurt, c’est sans ambiguïté, c’est écrit, mort, on est mort, Max est mort et Max meurt encore et encore, un génocide de Max Payne dans l’indifférence du joueur.

Note : je suis assez mitigé sur cette critique de Max Payne 3 finalement comme je suis mitigé par le jeu en lui-même. Mon premier texte de présentation écrit à chaud après avoir découverts le jeu est tellement différent, tellement plus percutant que cette critique me semble fade. En même temps elle a le mérite de clore mon cycle autour de Max Payne 3. Ce jeu reste un mystère pour moi, plus précisément son succès reste un mystère ; est-ce moi qui n’ai pas su comprendre le jeu ? est-ce que la licence est plus forte que la critique ? Est-ce un aveuglement provoqué par l’aura de Rockstar ? Ou est-ce simplement que les joueurs n’ont pas eu envie de voir Max Payne mourir. J’aurai espéré que cette critique témoigne de cette incertitude mais j’en suis incertains - quelle douce ironie -. Quand on a un article en tête depuis un long moment il y a deux possibilité quand on l'accouche, soit on le trouve extra, parfaitement conforme à l'idée que l'on s'en faisait, soit on le trouve nul, loin de ce que l'on espérait, mais dans les deux cas on est soulagé de s'en être "débarrassé". Je suis soulagé

Max Payne, tu ne le caches pas longtemps : avec toi la douleur est une légion qui marche au pas et en colonne dans le flot visqueux de tes artères, une légion noire que les analgésiques ne parviennent pas à camoufler. Avec toi Max, la douleur menace, lancinante, elle te lacère et t’accule dans le misérable de ta condition, mais elle ne te fait pas taire. Oh ça non … Tout cela, parce que tu n’es qu’un cabot existentialiste maître des douleurs que tu t’infliges et qui alimentent pour ta jouissance, la verve de ta prose verbeuse aussi épaisse que le bourbon que tu t’envoies est sombre. Jouisseur masochiste cesse donc de te lamenter, ma petite pute, je sais que t’aime cela ! Pourtant, tu me fais de la peine Max au point que je ne sache dire si tu es grotesque ou pathétique la différence relevant de l’implication volontaire ou non dans ce théâtre des bouffonneries lamentables ; Max peine-à-jouir mais pas à tuer, un balais dans le cul et un flingue dans la main il parcourt le Brésil son arme en peine qu’il dégaine en excès de violence ; un déluge de balle précédant et faisant suite à une diatribe verbeuse, diarrhée verbale qui pèse sur tout, le rythme du jeu et l’ambiance elle aussi qui à force de s’imposer fini par plomber ce qui aurait pu être. Et toi Max, vieux con bourré comme un prophète en exile tu es soudain pris pas des accès de lucidité ; bien sûr que tu es trop vieux pour ses conneries, bien sûr que tu n’as plus rien à foutre ici, tu es dépassé, décatie, fini et obsolète et ça ce n’est pas moi qui le dit c’est toi, la parole du héro dans le jeu met en abîme sa propre existence c’est sûrement le fait d’arme le plus digne que le jeu ai a offrir : sa propre réserve sur sa propre existence. De la réserve Max, tu n’en manques pas, tu as du cynisme plus que je n’en ai, plus que je pourrais jamais en avoir, c’est ton héritage postmoderne, c’est la planche de salut savonnée d’un jeu bancal et branlant ; la diction vaporeuse, mise en scène alcoolique, l’Amérique du Sud adipeuse est devenue la banlieue sale de l’occident, décharge à ciel ouvert des raclures de tous rangs, des fripouilles qui ont abandonnées leur âmes à l’acide des drogues et Max qui jubile, jouie aussi sûrement, de foutre une raclée à ces ombres brésiliennes qui peuple la violence caricaturale de ce monde clinquant. Une aventure de falsification pour un Max de pacotille qui me fait de la peine comme une contrefaçon chinoise sur un marché de banlieue ; tu voudrais nous faire croire que tu mènes une vie de chien, mais tu n’es que le toutou d’une jeunesse dorée qui te dorlote, laisse donc à Kane et à Lynch mener une vraie vie de chien dans une vraie ville d’illusions urbaines frelatées et retourne donc courtiser ta misère que tu veux plus douce au soleil

2 - Parlons un peu cinéma. Je suis un petit amateur des œuvres de Stanley Kubrick et de David Lynch. Pour ce dernier, je l'ai découvert grâce à Marilyn Manson que j'aime énormément et qui fait une petite apparition dans Lost Highway. Bref abordons M. Kubrick. À 13 ans, je découvre en cachette Orange Mécanique qui m'a bouleversé, remué, traumatisé. Dans le même temps, sous la couette, je pique les Stephen King de mon frère. Je découvre Ça et l'adaptation télé « Il est revenu » qui depuis m'a rendu Coulrophobe (phobie des clowns). J'arpente aussi Jessie, Carrie (puis le film), Misery et enfin Shining qui me mettra une frousse monumentale. Je ne m'en suis toujours pas remis, je crois bien. Ce livre est une merveille de tension, de stress. Shining raconte la vie d'une famille surveillant un hôtel durant l'hiver, le père écrivain tombe dans la paranoïa puis la folie. Le fils lui est doté d'un pouvoir surnaturel. Une histoire prenante, terrifiante. Après avoir lu le livre, je découvre que Stanley Kubrick a adapté le film au cinéma avec Jack Nicholson dans le rôle de Jack Torrence le père dépressif. Ce film divise et à même obligé Stephen King a proposer un téléfilm en 1997. Pour ma part, je l'ai adoré. Kubrick a orienté son film sur la folie du père et ses pulsions meurtrières et à pris le risque de négliger des thèmes important dans le livre. Si on fait abstraction de tout ça, le film est une merveille. Une montée en puissance vers le suspens et la violence. Un trio d’acteurs plutôt impressionnants et surtout une réalisation parfaite. Les plans de Kubrick sont uniques.

J'ai vu ce film plusieurs fois, chez des amis et il y a 5 ans je me suis décidé à me payer le dvd. Parfois quand je déprime ou que le moral frôle le néant, je me le mets histoire de me dire que ça pourrait être pire. En plus la jaquette est dingue avec un Jack Nicholson totalement barré.

3 - Jeux vidéo, cinéma et musique. Trois loisirs qui prennent pas mal de mon temps. Avant d'aller plus loin je tiens à dire que Remy n'y est pour rien vis-à-vis du contenu de ce point numéro trois. En effet, je vais vous parler d'un groupe de rock français que j'aime énormément ! Indochine. En ce moment on parle d'eux pour un clip mais j'ai pas envie de m'étendre la dessus. Parlons plutôt musique. Ils sont français, ils utilisent la langue française, les références sont grandes, les influences sont nombreuses, la poésie est présente. On trouve souvent que ce groupe écrit pour plaire aux ados. Ce groupe plait parce que sa musique parle à tout le monde, tout les jeunes comme les plus vieux. Les thèmes sont souvent les mêmes à la base mais très bien mis en prose. Ce qui fait la nouveauté, c'est l'univers développé autour de ces fameux thèmes. Je suis amateur du groupe depuis 1997 (depuis que j'ai 10 ans) et j'ai toujours répondu présent. Pour moi l'évolution d'Indochine est normale. Je possède une discographie plutôt sympa d'eux. Si j'aime énormément l'album Dancetaria (1999) je voue un culte à l'album Alice et June (2005) pour sa pochette magnifique dessinée par Ana Bagayan qui m'a permis de découvrir une sphère de la peinture totalement dingue : « le surréalisme moderne ». Des univers sombres, enchantés peuplés de créatures à la tête difforme et d'enfants aux allures parfois perverses. Pour certains ça impose le mal aise, pour moi c'est une évasion parfaite. Indochine est un groupe avec un univers propre qui se nourrit de tout ce qui l'entoure. Grâce à ce groupe j'ai découvert Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Sigur Ros, Antony & The Johnsons etc. mais aussi les films Punishment Park, Ken Park et des artistes comme Ana Bagayan ou Mark Ryden. Indochine a défini ma tolérance au monde mais aussi mon ouverture d'esprit. Pour en revenir à l'album, il est bouleversant et traite de l'amitié de deux filles inspirée par des faits réels. Il contient pour moi un des plus beaux titres du groupe : Crash Me (avec un très beau clip).

4 - Un peu de photo pour la route ? Je vais clôturer ce portrait par un livre que j'ai récemment acheté : Sofa So Sexy de Rankin. Un ouvrage photo très cru et très brute. Rankin est un photographe de mode qui me fait rêver. Tantôt provoc, tantôt chic, il a photographié des stars du showbiz en les mettant souvent dans des situations barrées, il ose aussi la provoc avec des nus très crus et j'en passe. Ce livre met en scène des femmes nues (entièrement) posant sur un sofa. Rien de plus con comme idée sérieusement. Les plans sont très rapprochés et on découvre pas mal de gros plan de l'anatomie féminine. Cela peut ne pas plaire. J'aime la photographie, j'aime la regarder plus que la pratiquer même si je m'y suis déjà essayé. Rankin est un photographe que j'admire au même titre que David LaChapelle ou Dorothy Shoes (son livre Django du voyage est magnifique, je recommande).

Voilà, j'ai abordé que quatre objets que je possède pour évoquer ma personnalité. Je n'en ai pas mis de cinquième non pas par fainéantise mais tout simplement parce que je n’ai pas trouvé. On me voit souvent sur twitter entrain de spammer, râler, critiquer et je suis conscient que je fais fuir les gens alors qu'en fait, je suis toujours en quête de discussion avec d'autres. J'aime papoter de tout et de rien. J'ai pris un vrai plaisir à écrire cet autoportrait pour mettre un peu de relief sur une personnalité que certains trouvent plate. Au plaisir.

 Note : Voici le premier portrait de joueur qui ne soit pas moi et c’est à mon sens une première réussite. J’ai lancé ce projet un peu au hasard ne pouvant savoir si les blogueurs allaient jouer le jeu ni comment ils allaient le jouer. Il n’y a pas longtemps que j’ai découvert le blog de Majin mais j’ai tout de suite aimé son sa façon d’écrire et son regard éclectique. Mais je ne le connaissais pas ou si peu ; et à travers les objets culturels qu’il partage avec nous je découvre une personne avec qui j’ai des affinités - le coup de cœur pour Fear Effect, l’admiration de Kubrick et une passion pour la photo - mais aussi des discordances autour d’Indochine, mais le but n’est pas de juger, mais plutôt de porter un regard élargi sur les joueurs. Merci à Majin quant aux futurs portraitisés j’attends vos articles ...

Je suis un grand blogueur, connu et réputé, c'est bien connu et ma réputation de blogueur jeu vidéo ayant quelques penchants pour une certaines forme de racolage sexy à base de Princesse Peach dans des illustrations qui mettent en valeur ses atouts féminin, sensuelle et érotique me précède. Alors quand l'ami @aquab0n a croisé cette illustration il a tout de suite pensé à moi ; c'est flatteur.

Ce cross-over entre la niaiserie rose princesse de la très mièvre mais gentille Peach et la féminité affirmé par la fierté mammaire de l’icône Lara Croft ne pouvait que donner naissance à une illustration parfaite qui rend hommage aux deux femmes. La Princesse Peach qui troque ses robes à froufrous par une combinaison rose, mini-short et porte-jarretelles gagne en indépendance et en froideur. Et paradoxalement Lara Croft y dévoile en contre pied ce qu'elle a de masculin, parce que même avec ses tenues près du corps et le corps très en forme de femme Lara Croft dégage quelque chose de mâle, de masculin, comme si par une attitude ambigüe elle cherchait sans cesse à se défaire de son image de bimbo qui lui collait à la poitrine à ses débuts.

Bon d'accord ce ne sont que des digressions délirantes inspirées simplement par une illustration ...

Note : ce n'est jamais simple de faire un article de racolage, je pourrais mettre juste l'image sans rien d'autre mais je trouve que cela manquerai de classe et d'élégance. Et vu que ce genre d'article manque de cela ça sera abusif. Donc je me dois de trouver l'inspiration pour mettre des mots en écho aux images et mine de rien cette petite digression sur la masculinité de Lara Croft me semble une piste intéressante. En tout cas, au regard des requêtes Google qui continuent de me demander du Peach sexy, du Princesse Peach nue, et autre petite déviance ce genre d'articles ne sont pas près de s'arrêter ici.

Note : Vous ne serez peut-être pas d'accord, mais j'aime beaucoup la prose de cet article, surtout le début, disons la première moitié qui coule de source, rythmée comme je l'aime, ponctuation - hardcore - pour un texte écrit d'un premier jet, sans presque y avoir réfléchit avant. Et puis l'obsolescence était un sujet que je voulais aborder sans trop savoir comment et là c'est venu tout seul ce glisser dans cet article dans lequel je ne devais au départ qu'informer sur la réparation de ma PS3. J'aime quand les textes s'écrivent presque au-delà de moi comme s’ils procédaient d’une forme d’accrétion des idées qui flottent dans mon esprit et dans mon air du temps. C’est spontané et je voudrais que ce soit toujours comme cela. En plus j’ai trouvé une très jolie illustration sur DeviantArt qui colle superbement à l’idée organique d’une console qui se meurt

2 - Ensuite je voudrais convoquer Enslaved Odyssey to the West un jeu pour lequel j’ai une vraie tendresse. C’est un jeu d’action plate-forme dans un univers postapocalyptique qui possède un des plus beaux sens du rythme parmi les jeux de cette génération. À sa sortie le jeu a reçu un accueil très frais, voir froid, de la part du milieu vidéoludique. Je n’accordais donc que très peu d’attention à ce titre - à l’époque j’étais influençable, mais ça n’a pas de lien avec ce qui va suivre -. À la même époque je recevais chaque semaine la visite d’un couple de témoins de Jéhovah pour parler de Dieu. En vérité c’était aussi / surtout parce que la femme du couple était une sublime blonde aux formes parfaites et aux yeux bleus que j’espérais secrète dévoyer de sa vocation divine. Son mari était un mec gentil, pas toujours très malin mais surtout un gamer et un jour il m’a conseillé Enslaved Odyssey to the West. Qu’un témoin de Jéhovah me conseille un jeu est un argument suffisamment absurde pour qu’il me convainque d’acheter le jeu. D’autant plus que Enslaved se déroule dans un univers postapocalyptique, venant d’un témoin de Jéhovah qui prône la restauration du paradis après la fin de la civilisation humaine, je trouvais ça savoureux et intéressant. J’ai découvert une petite merveille, un jeu étonnant de justesse et au sens du rythme parfait. Son ambiance crépusculaire est magnifique et sa BO une merveille ; d’ailleurs c’est le seul jeu dont il m’arrive d’écouter régulièrement la BO en particulier le titre des crédits dont je suis totalement amoureux.

3 - Philip K.Dick Aurore sur un jardin de palmes est une anthologie de Philip K.Dick qui comprend huit de ses romans. C’est un des tout premiers livres que j’ai acheté par moi-même, je devais avoir 16 ans - et oui je n’ai pas acheté de livre avant mes 16 ans, je préférais les CD et bien sûr les jeux vidéo - et des habitudes de lecture réduites au néant en dehors de ce qu’il fallait lire pour les cours de Français. Et puis j’ai découvert les jeux de rôle et au travers d’eux la science-fiction et sur les conseils d’un ami j’ai lu Ubik et j’ai adoré / adhéré à l’esprit de K. Dick. J’ai donc acheté ce recueil de plus de 1400 pages en papier bible ; en faisant cela j’étais sûr que je n’arriverai jamais à tout lire, c’était surtout une façon de se la raconter, de montrer que j’étais un « vrai » passionné. L’été suivant je me suis mis à lire le premier roman, puis le second, puis un autre et à la fin de l’été j’avais tout fini ; c’était une autre époque où il n’y avait pas d’internet pour manger du temps de cerveau et il fallait bien occuper sa solitude. Mais être arrivé au bout de ce qui me semblait être une montagne m’a donné un vrai sentiment de satisfaction ; j’étais désormais capable de lire des gros livres et un jour je serai capable d’en écrire, mais c’est une autre histoire.

4 - Dictionnaire de l’amour et du plaisir au Japon, je crois que tout est dans le titre, c’est un livre qui ressence / explique / explore 400 mots-clés de la culture érotique japonaise. Je suis fasciné par le fractionnement et la complexité des tendances érotique japonaise. Je ne vais pas dire que ce dictionnaire est mon livre de chevet - même s’il l’a été pendant quelque temps - mais c’est un ouvrage dans lequel j’aime me replonger ; par pur plaisir, pour réveiller / attiser ma curiosité, y puiser de l’inspiration ou simplement pour chercher des pistes de compréhension de cette culture fascinante. Parfois j’ai la conviction ou l’intuition que nous autres occidentaux nous passons en parti à côté du sens de certains titres, surtout des certains RPG, alors je me demande si en essayant de mieux comprendre les codes de l’érotisme je ne trouverais pas certaines clefs de compréhension. On verra si un jour cela donne lieu à certains articles.

5 - Je vais clore ce portrait avec Dead Rising 2. Avant de passer à la Next Gen et donc à la PS3 j’ai connu un moment d’errance vidéoludique - j’ai eu un Xbox par exemple - accompagné d’un certain désintérêt pour l’actualité jeu vidéo que je suivais de loin et d’un œil. Pourtant le jour où j’ai pu voir tourner le premier Dead Rising j’ai eu un coup de foudre fantasmatique ; vivre / jouer un film de Roméro, qui plus est Zombie, avec un tel degré de liberté et réalisme ça m’a tout de suite fait rêver. J’avais été échaudé / vexé par l’expérience XBox et par esprit de vengeance je ne voulais pas passer à la 360, j’ai donc regardé avec regret Dead Rising. C’est quand j’ai su que Dead Rising 2 serait porté sur PS3 que j’ai commencé à me dire que je pourrais revendre ma vieille PS2 et passer à la suivante. D’ailleurs Dead Rising 2 a été un des premiers jeu que j’ai acheté et que je n’ai jamais fini. Ce n’est pas que je ne l’aime pas, mais je prends un tel pieds à tuer des hordes de zombies dans le centre commercial que j’oublie de finir le jeu. Et de temps à autre je reprends le jeu depuis le début dans l’espoir de le finir. Un jour sûrement j’y arriverai …

Note : Voilà le projet est lancé, je donne l’exemple, je ne sais pas si je trouverais des personnes pour participer, mais je l’espère et je suis sûr que des amis blogueurs se prêteront au jeu si je leur demande gentiment. Dans mon idée originale j’envisageais de ne publier qu’un seul objet par jour pour construire progressivement le portrait. Mais pour la première fois et pour donner l’exemple j’ai opté pour un article complet. Je verrai par la suite, comment j’organise la publication. Cela dépendra principalement de la longueur de ce que pourront donner les personnes participant au projet. Il est vrai qu’en véritable blogueur j’aime assez l’impudeur de la confession, de la découverte de l’autre donc ce projet qui permet de parler soi me convient bien, mais je ne sais pas s’il parlera autant aux autres qu’à moi. Nous verrons bien à l’avenir. N’hésitez pas à me dire ce que vous pensez de cet article j’ai besoin de vos retours pour définir la forme de ce projet. Merci

Note : Ce projet est un pari dont la réussite reposera sur la bonne volonté des joueurs qui accepteront ou non de jouer le jeu et de se dévoiler. Mais ce projet me tient à cœur, il a le potentiel de devenir un 5/5 même si pour le moment je lui préfère une note plus modeste. Je trouve intéressant et important de parler de ces objets culturels que l’on possède - même si je ne vais pas demander à ceux qui participeront de prouver qu’ils ont bien la possession desdits objets -, je mets dans ce projet une dimension presque militante envers la forme matérielle de la culture. Se plaindre de la dématérialisation est une chose, mais ne nous arrêtons pas là et revendiquons ce que nous possédons surtout qu’a priori le joueur est un grand nostalgique matérialiste. Je compte donc sur cela pour trouver des personnes prêtes à partager ce qu’elles aiment dans la culture d’autant plus que les joueurs sont souvent multiculturels ; manga, comics, roman de SF, musique et sûrement bien d’autres choses que j’espère découvrir.

John Carter ou l'espoir fou d'un divertissement

Hier soir, pris par un élan étonnant de vouloir me divertir en public j'ai bougé mon cul de plus en plus gros jusqu'au multiplexe le plus proche pour y regarder John Carter. Me voilà donc entrain de débourser 12€35 pour obtenir un billet. Je ne sais pas ce qui justifie ce prix exorbitant, la copie numérique ou les 2h20 de films mais si on commence à nous vendre les films à la durée ça ne va pas aller du tout. Je savais que le film était en 3D, c’est d’ailleurs ce qui m’a motivé à aller le voir en me disant que si c'est Disney qui produit il y a une chance que John carter soit un bon film en terme d'exploitation de la 3D en tout cas de façon suffisamment distrayante pour que je n’ai pas l’impression de me faire voler. La salle était presque pleine, le pop-corn bruissait dans les bouches, les jeunes s'impatientaient et là je me suis dit que cela allait peut-être effectivement un bon film.

Le corps du délit ; c’est qui ce John Carter ?

Dans John Carter il y a donc un John Carter incarné par un acteur dont l'absence de charisme n'est pas sans rappeler un Schwarzenegger des débuts - ou de la fin parce que Schwarzenegger n'ai jamais brillé par son charisme -. Ironie du sort l'acteur s'appelle Taylor Kitsch, et kitsch, on peut dire qu'il l'est ; son physique, sa coupe de cheveux et surtout son jeu. C'est d'ailleurs tout le film qui semble être contaminé par la particule kitsch du patronyme de son premier rôle. Sinon John Carter est américain du XIXe siècle qui se retrouve projeté sur une planète qui ne restera pas longtemps inconnue et dont on comprendra que c’est la planète Mars. Pas de chance pour John Carter, deux cités martiennes millénaires se font la guerre et le spectateur se doute bien que John Carter va faire basculer l'histoire. Et oui en bon héros, il mènera son équipe à la victoire tel Coach Carter.

C'est Disney qui produit le film, c'est d'ailleurs le réalisateur de Wall-E - et j'aime beaucoup ce film pour sa poésie et sa parfaite maîtrise du timing, je parle bien de Wall-E - qui réalise le film. Qui dit Disney dit manichéisme, et dans le style John Carter est un modèle du genre, c'est même un - vieux-modèle - du genre ; et c'est finalement un des intérêts majeur du film - je dis ça aujourd'hui alors qu'à ma première vision j'ai trouvé malin de critiquer ce point alors qu'il est d'une part un très bel hommage à une science-fiction qui n'existe plus, à une vision du monde qui n'existe plus mais qui trouve dans le manichéisme le souffle de l'aventure épique. Bien sûr il y a longtemps que je n'ai pas vu un film avec tel manichéisme, même pour un Disney c’est caricatural ; les gentils sont en bleus, les méchants sont en rouges, chaque camps arborent de beaux étendards pour qu'on ne les confonde pas pendant les combats, l'arme la plus destructrice de l'univers c'est un gentil rayon bleu et cerise sur le gâteau martien sur Mars le sang est bleu ! Oui, oui, du sang bleu, pendant un temps j'ai cru me retrouver avec une version censurée de John Carter et j'ai cherché s'il n'y avait pas une manipulation à faire sur mes lunettes pour débloquer le sang rouge comme à l'époque de Mortal Kombat sur Super Nintendo, mais non rien à faire le sang qui coule est bleu et même si le sang coule assez peu, mais cela m’empêche pas d’avoir quelques plans avec notre héros couvert de bleu.

Pas d'ambiguïté ni de nuance ; les gentils sont gentils, les méchants sont méchants et le héros qui est censé être un homme vénal et cynique, il est quand même drôlement gentil parce que c'est le héros et cela rend le film confortable, on parcourt les aventures de John Carter comme on se promène dans un territoire inconnu mais familier. Et si l'histoire est manichéenne à y regarder de plus près le scénario distille une douche de subtilité en sous-main. Et puis quand on cherche du divertissement, on ne cherche pas nécessairement des histoires compliquées, on pourrait par exemple chercher de l'humour. Et de l'humour, John Carter le film n'en manque pas. Un humour tendance cartoon présent tout au long du film, parfois à la limite du burlesque, souvent déroutant et plutôt rafraîchissant - dire que j'ai osé affirmer que l'humour est "assez inapproprié" dans une aventure spatiale, j'ai honte d'avoir osé dire cela -.

Dans l’esprit John Carter a les codes d'une grosse artillerie du film de science-fiction, un vrai blockbuster de l'espace à poser quelque part entre Star Wars et Avata. Il n'y a pas nécessairement matière à faire un grand film de science-fiction, par contre il y a de quoi avoir une très belle aventure. John Carter est l'adaptation d'une oeuvre d'Edgar Rice Burroughs, auteur de Tarzan mais aussi donc du Cycle de Mars qui a influencé énormément d’œuvres de la science fiction - il faut dire que ce cycle a 100 ans c'est donc assez logique le père de beaucoup d'oeuvres qui viendront à sa suite -. Edgar Rice Burroughs avait l'art de la narration des pulps, un savoir faire qui permet de à John Carter de posséder un vrai souffle épique avec des éléments classiques de la SF.  Quand on se dit que la trame de John Carter a cent ans on voit en quoi le Cycle de Mars a influencé la science fiction. Le revers de cela c'est aussi une impression de déjà-vu parce, comme si le film arrivait trop tard. On identifie assez bien ce que les éléments de John Carter vont se disperser dans la SF comme ce combat dans une arène contre des créatures monstrueuses que l’on retrouve dans Star Wars. Je trouve que les acteurs manquent de charisme et ils peinent à donner du corps à l’histoire. C'est dommage parce que l’univers est intéressant avec une forme d'exotisme naturaliste - j'en reparlerai plus loin au sujet de Tharks - et sa vision de la SF à l'ancienne avec son futur désuet et son ambiance surannée.

Mais que reste t-il de bon dans John Carter ?

Après ce prélude qui peut se révéler peu flatteur, il y a de quoi s’interroger sur ce qu'il reste à sauver dans John Carter, mais aussi étonnant que cela puisse paraître il y a des bonnes choses dans ce film. Bref ce que j’ai aimé en premier lieu dans John Carter ce sont les martiens. Dans le film, on les appelle les Tharks, grands, verts, avec quatre bras, vivant dans une société archaïco-romaine ils sont moins cons que les Gungans, ils sont moins coincés que les Na'vi et ils ont une gouaille et un art de vivre qui n'est pas sans rappeler celui de ces beaufs de peaux verts Orc. Toutes les scènes avec les Tharks sont d'ailleurs à mon sens les plus réussis. La rencontre entre John Carter et Tars Tarkas est une des meilleures scènes du film, drôle et très intéressante dans ce qu'elle retourne les codes de la rencontre extraterrestre ; à la limite du burlesque cette scène pleine de poésie est une des plus jubilatoires rencontre humain martien depuis Mars Attack.

Le début du film, quand John Carter appréhende son nouvel environnement martien, est plutôt réussi, c'est le moment où notre héros découvre qu'il peut faire des sauts démesurés façon Vince Carter à l'époque de Toronto Raptors. Une autre chose que j’ai aimé c’est l’humour cartoon assez inattendu comme ce chien martien qui court tel un Bip Bip après un coyote de l’espace. Il y a aussi les décors, enfin les paysages parce que les intérieurs sont assez moyens. Mais certains paysages à la fois grandioses et dépouillés portent en eux le souffle épique de l’aventure et du dépaysement et j’aime cela. Il y a aussi des bonnes idées qui traversent le film mais qui ne sont jamais vraiment développées malheureusement comme la cité Zodanga qui se déplace en dévorant des richesses du sol martien ou la technologie steampunk des vaisseaux qui se conduisent comme des galères. On regarde donc John Carter avec plaisir, le film distille de temps à autre de très bonnes scènes. En fait John Carter est un film sans ambition, un film de commande formaté pour entrer dans la case space opéra en 3D mais c'est un film généreux qui donne du plaisir.

John Carter peut-il se disputer une part du gâteau Star Wars ?

Les intentions du film sont claires, son positionnement aussi ; aventure de science-fiction spatiale en 3D mais il est clair qu'il manque à John Carter du corps, des couilles et de la chaire pour se placer en concurrent potentiel, rationnel et raisonnable d'un film comme Star Wars. En regardant John Carter je me demandais quels étaient les films de science fiction capables de revendiquer cet héritage ou cette succession. Difficile de répondre, beaucoup de films de science-fiction sortent, mais peu sortent du lot. C’est peut-être parce que trop peu de films prennent le temps de développer leurs univers ; le génie de Star Wars ne tient pas à son histoire ou à sa narration, mais à la densité de son univers. Avatar a suivi la même voie en prenant le temps d’une exploration presque documentaire de la société Na'vi, peut-être qu'il peut revendiquer cet héritage donc ... Les films de science-fiction que j’aime sont ceux qui se donnent la peine de donner corps aux éléments "inutiles" qui donnent eux même à l'univers sa crédibilité et sa cohérence. Malheureusement John Carter, donne la désagréable impression qu'il ne se passe rien en dehors du cadre. Le film est beau, les scènes efficaces, mais parfois ça sonne creux là où il devrait y avoir de la vie ; deux cités qui se font une guerre millénaire devraient reposer sur des civilisations denses et riches. Mais le film n’en montre rien, on n’a droit qu’à des dialogues expliquant le minimum nécessaire à la compréhension de l’histoire ; sur les coutumes, sur les cultures, sur les détails de la vie sur Sodanga ou sur Hélium.

Les films, aujourd'hui ils se focalisent sur l'action et n’éclairent que ce qui est strictement nécessaire à la compréhension de la narration. Ils ne prennent pas le temps de développer l’ambiance, l’univers, la matière et le corps du film. Du coup j'en viens à me demander si les jeux vidéo ne sont pas l'avenir de la science fiction. Peut-être que le genre et le média sont entrains de se trouver et de réaliser qu’ils sont fait l’un pour l’autre. Il faut du temps pour poser un univers, un temps que le cinéma n’a plus et que le jeu vidéo permet. Les jeux qui reposent avant sur une ambiance marquée et orientée SF comme Deus EX, Final Fantasy, Mass Effect, Gear of War ou même Enslaved permettent une immersions dans les univers de SF qui sont au moins aussi crédible que beaucoup de films. De plus en plus de jeux cherchent à se construire une identité au travers d’une ambiance et d’un univers fort parce que dans le fond les mécaniques de gameplay et de narration les jeux sont plus ou moins semblable d’un jeu à l’autre. Ce qui fait l’originalité relève de l’univers et les consoles nouvelles générations permettant de pousser la construction des univers, je trouve qu’en termes de SF l’expérience vidéo ludique est en passe d’être supérieur à l’expérience cinématographique ; un jeu comme Mass Effect m'a fait vivre une expérience de science fiction intense.

John Carter est clairement calibré grand public, difficile avec cela de sortir du lot. Pourtant le réalisateur Andrew Stanton qui avait fait preuve d’un joli sens rythme et d'une vraie tendresse pour la terre dévastée dans Wall-E continu son oeuvre ; si la rythmique n'est pas le coeur du film on la retrouve dans la qualité de la narration. Et l'on retrouve aussi un regard complaisant / compatissant pour cette terre dévastée qu'est Mars.

Si à 30 ans on n'a pas sauvé la planète Mars on a raté sa vie

John Carter avait les moyens d’être un grand film de science-fiction, et si ce n'est pas le cas c'est quand même une grande aventure, portée par un joli soufflé épique, un sens du dépaysement efficace. John Carter se base sur le Cycle de Mars œuvre bâtisseuse de la science fiction avec matière a développer un véritable univers et construire une histoire au souffle héroïque réel. John Carter sent le film de commande, mais il parvient à poser le spectateur devant un vrai spectacle, un vrai divertissement, c'est ça réussite.

Note : C’est la première fois que je réécris un article, c’est aussi la première fois que j’ai été curieux de me relire pour mieux me comprendre. Et à ma grande surprise, j’ai reconnu mon regard sur le film mais pas les conclusions que j’avais été amené à faire à la sortie de la salle. Mais effectivement notre perception des œuvres, des films, des jeux est une chose mouvante et je trouve ça assez revigorant de se confronter à cela. Et j’ai pris beaucoup de plaisir à réécrire cet article. Enfin le rediriger parce que je n’ai pas modifié fondamentalement le contenu. Dans l’idéal je voudrais trouver le temps et le courage de réécrire toutes mes critiques et de les comparer avec les anciens articles pour juger / jauger de l’écart de mon jugement.

La seule chose réellement intéressante dans ce film c’est la manière dont les décors réels interviennent comme un élément essentiel de l’impression de science-fiction. J’ai la sensation que le retour aux décors naturels magnifiés par le numérique dans la science-fiction est un mouvement nouveau et assez intéressant. On retrouve cela dans Oblivion mais aussi des certaines strates de Cloud Atlas - dont je vous parlerais bientôt -, dans Prometheus, dans John Carter, dans le Hobbit, à sa façon Inception et sûrement dans d’autres films qui ne me viennent pas en tête. Dans ces films-là le décor réel intervient comme un pur élément de science-fiction et je trouve ce paradoxe intéressant. Ce ne sont pas les premiers films de SF à être tournés en décor naturel bien entendu mais jusqu’à présent, les décors restaient à leur place de décor, le spectateur pouvait identifier l’aspect factice, l’intervention des effets spéciaux. Mais dans les films que je viens de citer le décor naturel par l’entremise de la virtuosité technologique apparaît dans sa plus intense étrangeté. Je me rappelle qu’à l’époque de la sortie de Gladiator j’avais eu une discussion animée avec un ami au sujet des plans dans lesquels ont voient une Rome antique d’image de synthèse ; et même si les images étaient très belles on voyait très bien que ce n’était pas vrai. On se déchirait pour savoir si l’aspect artificiel était une volonté et un élément voulu et intégré par le réalisateur ou si c’était la limite de l’imagerie numérique. C’était l’époque de la nouvelle trilogie Star Wars, de cette opposition entre une imagerie numérique lisse mais sans âme contre le décorum artificiel mais palpable des films de « reconstitution ». La veine Gladiator finalement à abouti à des films comme Avatar ou le Magicien d’Oz qui se passent très bien du réel et offre une expérience du paysage remarquable de virtualité. Mais de l’autre côté se trouvent les films comme Prometheus et donc Oblivion qui s’applique à faire rentrer le réel dans la science-fiction. Quand je regarde les paysages d’introduction de Prometheus, quand je regarde Tom Cruise traverser les vestiges ensablés de New York j’y vois du réel ; je sais très bien que ce n’est pas vrai parce que je me tiens informer des nouvelles du monde et que je sais bien que la Terre n’a pas été dévaster mais dans l’image même du film rien ne me laisse penser que c’est faux. J’aime cette façon de remettre une dimension palpable et organique dans la SF ; mais c’est bien là la seule qualité du film.

Je regrette que le film échoue par manque d’ambition, il reste quelques scènes que j’ai énormément aimées, en tout est pour tout cela doit constituer quatre ou cinq minutes sur les deux heures du film, c’est bien peu pour le sauver. On ne peut rien reprocher aux acteurs qui font le job, j’ai plutôt aimé la rousse et Tom Cruise fait du Tom Cruise, mais il le fait bien. Et si je voulais vous sauver je vous dirais d’éviter de perdre de l’argent pour ce film et d’attendre de le pirater ou de le regarder par un biais légal plus ou moins gratuit. J’aurai bien parlé un peu plus des choses qui m’ont atterrée ou énervée, mais je ne veux pas spoiler le film à ceux qui auraient le courage ou l’inconscience d’aller le voir.

Note : le film mériterait bien un 1/5 mais n’oubliez pas que je ne note pas les objets critiqués mais les articles. Or justement je viens d’écrire cet article alors que j’ai de la fièvre et un état d’épuisement avancé ; je suis donc assez fier d’être arrivé au bout. En plus je crois ne pas avoir dit trop de connerie, j’étais parti dans l’idée de glisser encore plus de référence aux films que cite Oblivion mais j’ai un peu arrêter en chemin de peur que ça ne soit pas comprit comme un procédé et puis aussi parce que je commence à être si fatiguer que mes idées s’évapore dans les limbes. Je voulais notamment faire le parallèle avec le jeu Enslaved qui question un peu lui aussi ce qui aurait pu être l’idéologie du film - ça parlera surtout aux joueurs ayant terminé le jeu - mais je n’ai pas eu le courage, une autre fois peut être.

• Mirror’s Edge - hybridation entre la vue FPS appliquée à une logique de plate-forme et le parkour
• The Eder Scrolls IV & V  - hybridation entre les mécaniques du RPG et la vue FPS
• Borderlands - hybridation entre la logique et la vue FPS, les mécaniques du RPG et l’esprit arcade des hack’n slash
• Dead Space - hybridation des émotions et de la mise en scène du survival horror avec la vue FPS
• The Walking Dead - qui est à lui seul quelque chose d’indéfinissable entre le point’n click, le survival horror et le jeu à empathie
• Dishonored - qui hybride le FPS avec le jeu d’action, le jeu d’infiltration et le jeu d’ambiance
• Final Fantasy XIII - hybridation entre un jeu de déplacement ou de plate-forme archaïque et l’essence narrative du RPG
• Limbo - dont on peut dire qu’il hybride les principes du jeu de plate-forme à l’esprit du survival horror
• Raisonance of Fate - dont la résolution des combats offre une hybridation entre la mécanique précise du tactical RPG et la fouge nerveuse du jeu d’action à la troisième personne
• Les Royaumes d'Amalur : Reckoning - hybridation entre l’univers RPG, l’action RPG et le beat’em all arcade à l’ancienne
• Mass Effect - hybridation entre le TPS nerveux et rôdé et l’esprit et les mécaniques du RPG
• Catherine - mélange absurde et unique de jeux de drague et de puzzle game de plate-forme
• Flower - qui est l’unique hybridation entre un économiseur d’écran et un jeu vidéo
• Portal 2 - lui aussi unique mélange de FPS dans l’esprit du puzzle game et d’un humour pince sans rire
• Might & Magic : Clash of Heroes - hybridation réussie et géniale - oui j’adore ce jeu plus que les autres de cette liste - entre un univers RPG et une mécanique qui elle-même mélange une part de jeu de stratégie, de casse brique et de puzzle game.
• Fallout - un classique de l’hybridation entre le RPG et le FPS
• Saint Row 2 - qui hybride les principes du GTA-like et du jeu de gestion

Ce n’est sûrement pas une liste exhaustive, il doit y en avoir d’autres que j’oublie ou auxquels je n’ai pas joué ou qui sont carrément mauvais, libre à vous de combler mes lacunes. Mais je n’étais pas parti pour faire une liste, bien que j’adore cela, je voulais seulement établir une base suffisante de titres reconnus et réussis pour appuyer mon idée selon laquelle la Next Gen aura été la génération de l’hybridation des gens.

Mais ce n’est pas tout de le dire, la vraie question reste en sous-texte. Si la Next Gen a été la génération de l’hybridation des genres pourquoi cela a été le cas ? Pourquoi maintenant ? Est-ce le signe d’un épuisement de la créativité qui a poussé les développeurs a recycler et a mélanger les genre pour donner l’impression de créer quelque chose alors qu’ils sont dans une logique de recyclage pour camoufler l’absence de réel renouvellement créatif ? Est-ce le signe d’une époque en quête du jeu total qui mélange les genres dans l’espoir de donner naissance à une créature comme celle de Frankenstein dont chaque parcelle serait le morceau d’un genre vidéoludique ? Est-ce comme laisse entendre Spring Breakers d’Harmony Korine une façon de célébrer la génération Y comme la génération du remix et de la vacuité ?  Où est-ce simplement que cette Next Gen a offert aux développeurs assez de puissance pour qu’ils puissent réaliser ce qu’ils voulez faire depuis le début et que cette hybridation des genre est l’état naturel du jeu vidéo, sous entendu la séparation des genres que l’on avait connu jusqu’à cette Next Gen était un état contre nature ? Doit-on déduire de cette génération de l’hybridation que les jeux vidéo ne sont plus capables de créer des formes nouvelles et que l’avenir se fera sur le même principe de mélange des genres anciens ?

À vrai dire, ce soir, en ce jour, je ne me sens pas capable de répondre, le constat est criant, mais ses causes sont encore obscures. Faut-il y voir une qualité ou un défaut ? Et vous, qu’y voyez-vous ? Qu’en concluez-vous ?

Note : je ne sais pas comment noter cet article ; à vrai dire je n’avais pas prévu de l’écrire ce soir, si tôt, après si peu de réflexion, mais parfois l’impulsivité reprend le dessus sur la procrastination. Pour ce côté impulsif et impromptu, je pourrais noter cet article 4/5. En même temps je pensais que partir sur ce sujet pouvait conduire à une réflexion intéressante, mais au final, je ne fais que soulever quelques questions sans réussir à les développer. Et pour ça, cet article mérite 2/5. Je me demande sincèrement quel intérêt pourront trouver les lecteurs à cette lecture alors dans le doute je vais couper la poire en deux 3/5.

Ils m’ont fait le bonheur impromptu et imprévu d’un article que je trouve délicieusement élogieux à mon égare. Alors même si vous allez penser que si je fais la même chose c’est par pure politesse - ce qui est un peu vrai, mais que voulez-vous on m’a apprit à dire merci et ce n’est pas facile de se défaire de ses mauvaises habitudes - et puis en vrai je m’en fouts un peu de ce que vous allez penser alors je le fais malgré tout. En plus je n’ai pas à me forcer parce que plus je lis Else et Esse et plus je trouve l’intérêt de ce blog aux allures de webzine - à moins que ce ne soit l’inverse ou le contraire - grandissant.

J’ai découverts Else et Esse par l’entremise de l’un de ses rédacteurs qui par l’entremise de la page Facebook du blog - preuve qu’elle utile malgré le faible nombre de fans - m’a contacté parce qu’il avait envie de répondre au Tag de la Patate chaude - preuve que c’est un homme éclairé sur les priorités du monde -. A partir de là les choses se sont enchaînées très vite et tout naturellement ; je lis quelques articles qui m’inspirent quelques commentaires, je me mets le blog dans mes favoris, je lis d’autres articles, je publie les réponses de Léo au Tag de la patate chaude, Else et Esse écrit un article sur moi, la loi sur le mariage pour tous est adoptée au sénat, je demande Léo en mariage et ensuite n’ayant pas de quoi lui payer un bague en diamant je rédige cet article.

Else et Esse c’est un peu le projet que dont je n’ai jamais réussi à accoucher mais dont j’ai toujours eu envie de connaître l’existence. C’est un regard frais, critique, judicieux et ouvert - au sens où au lieu de poser des certitudes les articles amènent à se questionner et réfléchir - sur la culture, la communication, l’actualité, les réseaux, bref tout ce qui me parle et occupe une part grandissante de notre temps de cerveau. D’une certaine façon je vois un peu ce blog comme une version 2013 numérique 2.0 des Mythologies de Barthes. Et toi le désenchanté qui maugère en lisant mon article en disant que y’en a marre du personal branling entre blogueurs sache que le blog a pour sous-titre les mot-dièses #joie #bonheur #réenchantement alors va donc apprendre / prendre une part de réenchantement ça ne te fera pas de mal.

La seule chose que je reproche à Else et Esse c’est que parfois leurs articles se terminent trop vite et me laissent comme une femme frustrée le soir de sa nuit de noce ; on voudrait en lire plus parce que les articles sont bons, les articles ils ouvrent des pistes de réflexions dont j’ai envie en tant que lecteur de lire les développement. Mais Else et Esse sont malins, ils gardent ces pistes pour en faire de futurs article, je devrais peut-être apprendre à faire pareil plutôt que de pondre de trop longs articles en essayant d’y faire rentrer trop de choses …

Toi le lecteur curieux de tout, qui a envie de comprendre le monde qui t’entour va donc t’abreuver chez Else et Esse, c’est un conseil qu’il ne serait pas aviser de ne pas suivre, enfin je dis ça, je dis rien.

 Note : Ce n’est jamais facile de faire un article pour mettre en avant un concurrent, un confrère ou un congénère blogueur ; peur que ça passe pour de l’autocongratulation réciproque - l’expression peut-être un peu redondante … -, peur que ça fasse des jaloux, peur que l’article ne soit pas intéressant pour ou pire mal écrit, je veux dire plus mal écrit qu’à l’habitude. En même temps au risque de radoter pour moi c’est le fondement de la culture numérique du blogging : échanger, disserter, confronter, s’éclairer, etc. Et pour une fois que je peux mettre en avant un blog qui sort un peu de la sphère radicalement vidéoludique ça fait plaisir. Je trouve donc que cet article ne m’en sort pas trop mal. Je ne sais pas si à la lecture de l’article c’est très évidement, mais j’ai longtemps rêvé de pouvoir tenir un blog comme le leur qui puisse parler du monde 2.0 - oui je sais l’expression 2.0 est déjà désuète - avec un regard critique. Mais je n’ai jamais su m’y coller parce que je trouvais le projet trop vaste, j’ai donc une réelle admiration pour Else et Esse.

En plus Sleeping Dogs a la judicieuse idée de ne déclencher le ralenti qu’au moment où l’on sort d’une couverture d’une façon dynamique comme en glissant par-dessus une table, en brisant une fenêtre, etc. ce qui implique nécessairement un mouvement et donc une mise en scène de l’action. Avec ce système, on sera quasiment toujours en action vers la cible, ce qui conduit à un mouvement de caméra et donc donne un sens à la mise en scène ; l’effet et la mise en scène travaillent l’un pour l’autre dans une sorte de cohérence. A contrario dans Max Payne, on peut déclencher l’effet n’importe quand, dans n’importe quelle direction - voir sans direction - ce qui a comme conséquence une impression brouillonne de non mise en scène / de foutoir / de chaos. On peut tout à fait défendre que le choix du chaos est un choix de mise en scène, je le respecte, mais à mon sens, c’est une forme de trahison à l’esprit de John Woo - à condition que l’effet de ralenti de Max Payne s’y réfère, ce qui semble être le cas - qui est un réalisateur au contraire de la maîtrise et de la précision.

Sleeping Dogs se lance donc dans une discussion à trois avec Max Payne et John Woo's Stranglehold autour de la question de l’hommage / l’inspiration / la dette qu’ils ont vis-à-vis des films de John Woo qui a posé les jalons du film d’action contemporain sur les triades et de façon plus générale et plus totale encore qui a posé les fondements modernes de la représentation de la scène de gunfights. Et dans cette discussion indécise parce qu’à mon sens chaque jeu est une réponse différente et imparfaite à cette citation, je n’ai pas pu m’empêcher de convoquer Kane et Lynch 2 Dog Days. Je trouve le regard de ce jeu intéressant parce qu’il incarne « la réponse opposée» proposée à John Woo comme figure tutélaire du gunfights. Kane & Lynch est un jeu de l’imprécision balistique et d’une mise en scène de la pesanteur des corps. Si vous êtes des lecteurs habitués des lieux, vous le savez peut-être, j’aime énormément ce jeu, je lui trouve bien des succès dans son audace de réalisation / mise en scène que d’autres prennent ces éléments pour des défauts ou des manquement à la réalisation - comme la « fameuse » imprécision des tirs -. Je lui trouve par exemple une dimension de la déchéance physique du héros plus organique et plus intéressante que la descente dorée aux enfers de cet alcoolique mélancolique Max Payne. Mais surtout Kane & Lynch 2 donne aux joueurs une expérience viscérale de la ville asiatique. C’est difficile à retranscrire par des mots, mais le level design construit autour de cette architecture tortueuse, interpénétrée, sombre et crasse m’a donné une expérience proche de ce que je fantasmais de la mégapole asiatique. Si Sleeping Dogs avait pu s’inspirer de cela le jeu serait passé de GTA like banal et fade au rang de jeu culte à l’ambiance prégnante et totale.

Bien entendu Sleeping Dogs parle avec d’autres jeux sur d’autres registres, mais je ne suis pas là pour faire la liste exhaustive de ces interactions ; je pourrais bien sûr convoquer Assassin’s Creed pour traiter des combats, je pourrais convoquer Die Hard trilogy sur Playstation qui contient tout ce qui fait Sleeping Dogs avec son mélange de course et shoot à la troisième personne, mais on pourrait aussi s’attarder sur les discussions que Sleeping Dogs entretient avec le cinéma ; les films de gangsters chinois sont légions, le genre et ultra codifié mais on pourrait aussi aller chercher ailleurs comme dans un monument tel que Scarface. La scène du mariage qui dégénère en fusillade à laquelle Wei en costume blanc échappera et finira avec le haut de son costume maculé / imprégné / imbibé de sang rappellera certainement des choses à ceux qui ont vu et revu Scarface j’imagine.

  Bref, tout cela pour dire quoi ? Que j’ai terminé Sleeping Dogs, que le jeu est suffisamment bon pour avoir envie d’aller au bout et que le jeu est suffisamment mauvais pour que l’on y joue en pensant à d’autres jeux. Et pour dire que ce jeu m’a conduit à revisiter mon passé vidéoludique, créer des ponts / liens / passerelles et qu’à la lumière de ces connexions-là un jeu peut nous apparaître meilleur ou plus mauvais. C’est le lot de tous les jeux et de tous les joueurs ; nous jouons avec chacun un background différent et la nature même de ce background nous permettra de plus ou moins apprécier certains jeux. Et vu que nous étoffons notre background à chaque fois que l’on joue à un nouveau titre, il est naturel que nos perceptions des jeux précédents évoluent - ou se confirme -. Cela m’amène à croire que le culte des jeux cultes opère d’une sorte de volonté inconsciente d’uniformiser nos perceptions des jeux afin de pouvoir mieux les partager. Enfin ce n’est qu’une idée qu’il me faudra fouiller avec vous. Sleeping Dogs m’a donc permis de rehausser mon jugement sur Max Payne 3, sans pour autant faire de lui un de mes grands jeux et il m’a permis de confirmer mon adoration pour Kane & Lynch 2 Dog Days, en tout cas jusqu’à ma prochaine expérience sur un jeu de tir.

Note : Je savais de quoi je voulais parler, je savais les jeux que je voulais convoquer parce qu’ils me sont venus naturellement durant mes parties de Sleeping Dogs, mais je ne savais pas comment tourner l’article. J’aime beaucoup l’introduction qui m’est venue ce matin, elle correspond à ce que j’aime : les listes et les allitérations. Et surtout je trouve qu’elle exprime parfaitement ma façon d’envisager le jeu vidéo comme une culture mouvante. Une culture que la parole écrite modèle petit à petit. Rien que pour cette introduction, je trouve que l’article vaut bien 5/5. Pour le contenu je vous laisse seul juge, moi je le trouve bon même si je ne tranche sur la question du jeu qui serait le plus légitime pour citer la mise en scène de John Woo. En même temps peut-on trancher ?

D’Injustice : les dieux sont parmi nous je n’attendais rien. À part d’y retrouver convoqués des super-héros DC Comics pour un jeu d’affrontement de super-héros. Jusqu’à présent je n’avais rien vu, rien lu, rien su du style de combat que propose le jeu. Je n’avais aucune attente spécifique ni envies, ni réticences. À cet instant, je viens de faire la démo du jeu. J’ai pris une certaines sorte de claque. Dès les premiers instants de la première partie j’ai reçu une drôle de claque. J’ai été intrigué / interloqué / interpellé par le jeu que j’avais sous les yeux. Et ce n’est pas nécessairement une bonne chose dans la tournure que j’utilise.

Le jeu est d’une joliesse désuète, jeu 2D avec personnages modélisés en 3D au rendu que j’appellerai digitalisé. Je crois que c’est ce que l’on appelle le 2.5D. Sprite plutôt grands, animation plutôt lente, inertie des sauts plutôt déroutante, hit-box plutôt imprécise le jeu gicle d’un lustre ancien comme le ferait un jeu de foire. En jouant à cette démo j’ai l’impression de me retrouver dans un ferry entre la France et l’Angleterre, collé à la seule borne d’arcade qui faisait tourner un jeu que je ne connais pas. Ça ressemble à ce que je connais mais ce n’est pas un jeu que je connais. Et puis ma mémoire glisse et le souvenir change. Maintenant c’est un jeu qui émerge de mes limbes mnémoniques. C’est encore flou et à la fois c’est évident ; Mortal Kombat Vs DC Univers. Je le vois comme on voit le sommet d’un iceberg flotter à la surface d’un océan, ce sommet du kitsch et du crossover over the limit.

Injustice Gods Among Us est-il aussi proche du navet que la démo pourrait le laisser penser ? Je ne sais pas, la démo est très courte avec seulement trois personnages jouables et un affrontement avec un boss. Le jeu semble daté, déjà poussiéreux mais surtout incroyablement lourd / lent / mou / comme habité d’une inertie invisible. Au point que cela m’a interrogé, Injustice suit-il le chemin de Mortal Kombat en s’éloignant de la ligne directrice des jeux de baston qui font référence pour creuser un sillon de série B assumé ? Est-ce une façon de rendre hommage au Comic qui est un sous-genre - du moins qui l’est resté durant longtemps - en proposant un sous-jeu ?

Je ne sais pas quoi penser. La démo ne m’a pas donné envie d’attendre le jeu, ni de l’acheter. Mais la démo a créé ce je-ne-sais-quoi d’intriguant qui me donne envie de surveiller le jeu, j’y trouverais peut-être une intention, une ambition des développeurs de proposer autre chose que de la bouffe industrielle bien calibrée, il y a peut-être derrière ce projet une ambition révolutionnaire ou passéiste ou mieux encore un discours sur les sous-genres qui traversent et travaillent la culture américaine. Pour le moment je reste un peu traumatisé par le non-charisme du Batman et par la curieuse sensation que propose Wonder Woman quand elle flotte à quelques centimètre du sol …

Note : Je reconnais l’intérêt limité de cet article, tant dans la forme qui est à peine intéressante que dans le fond. À vrai dire, c’est juste histoire d’écrire un article et d’acter une chose. J’ai fait la démo de Injustice et je suis resté perplexe. En même temps est-il possible d’en dire plus sans avoir joué au jeu en entier ? Je crois que la réponse vous semble évidente, c’est donc qu’elle doit l’être. Bref pas besoin d’épiloguer.

Q : Les émotions que peuvent nous procurer les jeux vidéo sont-elles supérieures, égales ou inférieures aux émotions que peut nous inspirer le monde réel ?
R : Je dirais qu'elles sont à ranger du côté des émotions que nous procure l'art en général. Une musique peut nous rendre nostalgique, un tableau peut nous faire nous évader, un livre peut nous faire réfléchir. Certains softs ont également ce pouvoir fascinatoire ; j’ai notamment en tête Silent Hill. Les sujets abordés, l’esthétique, l’OST….c’est universel, on dépasse largement le cadre du jeu vidéo.
 

Q : Ne crois-tu pas qu’il devrait exister une loi qui empêche les éditeurs de faire trop de suite d’un même jeu ?
R : Je pense surtout qu’il devrait exister une loi qui les oblige à prendre des risques. Si certaines séries tiennent bon (GTA par exemple), la plupart m’ont peu à peu obligé à décrocher. Quand on voit Resident Evil 6, on se dit que Capcom a perdu la foi, et qu’ils n’ont pas dû jouer à un seul jeu sorti depuis 2007. Les jeux sont de plus en plus chers à développer, et les éditeurs sont obligés de trouver des compromis pour que le jeu puisse plaire à un public le plus large possible. En 2013, dans le jeu pop (aventure/action etc) parfait tu dois pouvoir : tirer en courant, assister à des décors de fou furieux, assister à des scènes démentielles, éventuellement conduire, upgrader ton personnage (ton personnage fétiche, puisque les éditeurs ont bien compris le principe du fan service, le tout en étant aidé par des indications contextuelles si tu bloques plus de 3 minutes. C’est la recette, mais on se rend bien compte que les jeux tendent à se ressembler. Et pour en revenir à Resident Evil 6, on voit bien que cette recette ne fonctionne malheureusement pas partout. Aujourd’hui, un éditeur qui te proposerait un jeu dans lequel tu as le même niveau d’exploration que dans les premiers Tomb Raider prendrait un sacré risque...

Note : J’ai un petit peu oublié de noter mes articles ces derniers temps, ce n’est pas si simple de prendre de nouvelles habitudes. Mais pour le coup cet article mérite bien un 4/5 parce qu’il est le fruit d’un échange, d’un partage, d’une réaction d’un lecteur et je n’aime rien plus que cela. Ne jouons pas les misanthropes, si l’on blogue, c’est pour cela, pour être lu, avoir des commentaires et interagir avec nos lecteurs : leurs idées & nos inspirations. Alors même si au départ ce n’est qu’un tag à la con moi j’aime cet article surtout que les réponses de Léo on fait naître quelques réflexions qui deviendront sûrement un jour de non-procrastination des articles. 

Bien entendu ce n’est pas suffisant, il y a dans la notion de culte une indéniable part de mysticisme avec ce que cela suppose de prophètes, d’apôtre, de « bonnes paroles » et de prosélytisme pour propager la réputation culte d’un jeu. Je crois que cette dimension relève pour une part de la croyance nécessaire pour alimenter un culte - il faut que des personnes croient une chose sans nécessairement pouvoir témoigner l’avoir vu elles-mêmes, ici des joueurs doivent pouvoir dire que tel ou tel jeu est culte sans avoir par eux-mêmes fait l’expérience de la dimension culte du jeu ; par exemple Shenmu cité tellement de fois dans les discussions alors que je suis convaincu que la moitié des personnes qui en parlent comme d’un jeu culte n’y ont pas joué parce qu’elles sont trop jeunes ou que le jeu est trop « rare » - mais aussi d’une part d’avant-garde parce que les jeux cultes induisent / reposent sur un principe de hiérarchie avec en haut les découvreurs qui opèrent comme des prophètes et en dessous des groupes auxquels il faut vouloir adhérer comme l’on pourrait vouloir entrer en religion. Un jeu est culte parce qu’il existe des personnes qui disent que ce jeu est culte et parce qu’il y a des personnes qui acceptent que ce jeu soit culte parce que d’autres le leur ont dit. En haut il y a les découvreurs, les précurseurs, les messies, les témoins directes, ceux qui peuvent dire sans mentir « j’y étais », « j’y ai joué » sous-entendu à l’époque où le jeu est sorti j’y ai joué, il y a ceux qui ont découvert que tel jeu avait le potentiel d’un jeu culte et qui par leurs bouches l’ont propagés aux oreilles des ignorants. Cette étape-là est à mon sens primordial pour l’émergence d’un jeu culte. Le culte d’un jeu vidéo repose sur cette dimension mystique / mythique / mythologique qui elle-même repose sur une forme de rareté, de mouvement de découverte puis de propagation. Aucun jeu n’est créé ou développé avec la dimension « culte » directement incluse dans l’ADN de ses programmations ; cette dimension est induite nécessairement après,non pas par les développeurs, mais par la communauté. Il n’y a peut-être que Shenmu qui dès sa sortie s’est posé comme jeu culte mais c’est parce que son développement avait été si chaotique et alléchant qu’il avait laissé aux joueurs le temps de construire sa mythologie avant qu’il ne sorte.

• La construction de la valeur culte d’un jeu relève de la construction d’un mythe, il y a au départ des personnes supposées éclairées qui, par leurs discours, donnent à un jeu ses lettres de noblesse cultes. Ces joueurs-là jouent au jeu non pas parce qu’il est culte, mais parce que le jeu leur plaît, qu’il vient de sortir ou simplement par hasard. Ce sont eux qui vont forger le berceau du culte et commencer à répandre l’idée / la rumeur selon laquelle le jeu est culte. À partir de là, de nouveaux joueurs viendront jouer parce qu’ils ont entendu que le jeu est culte et eux-mêmes relayeront l’information, jusqu’à la réputation culte du jeu supplante totalement le jeu et que de nouveaux joueurs y jouent parce qu’il faut y avoir jouer parce que le jeu et culte. Quand on en arrive à ce stade où il n’est plus nécessaire de jouer à un jeu pour savoir qu’il est culte parce que sa réputation le précède, on a faire à un véritable jeu culte.

La dimension culte est donc purement artificielle au sens où elle ne repose sur rien de concret, simplement du discours qui est relayé et amplifié par la caisse de résonance des fans avec cette nécessaire dichotomie entre ceux qui ont tenu le discours et ceux qui l’on suivit. Il faut que les deux coexistent pour qu’un jeu devienne culte. Selon moi cette dimension culte d’un jeu se mesure à la place qu’occupe le discours et la mythologie autour d’un jeu par rapport à ses qualités intrinsèques.

La qualité que je viens d’aborder suppose qu’un jeu vidéo culte scinde l’ensemble des joueurs qui ont joué à ce jeu en deux ; ceux qui y ont joué avant que le jeu vidéo devienne culte et ceux qui y ont joué parce que le jeu était culte. Et cette différence est, je crois, au cœur de l’utilisation abusive du terme culte. Être un jeu marquant, repéré par un groupe de joueurs qui amène d’autres joueurs à y jouer ne suffit pas pour devenir culte, il faut qu’un jeu tombe au bon moment de l’histoire ; à sa manière le jeu culte doit écrire l’histoire ou être le fruit de celle-ci. Il a donc une notion de timing sociologique, chronologique et culturel. Ce qui fera la différence entre deux jeux aux qualités vidéoludiques identiques, c’est cette dimension-là ; c’est le jeu qui sera en phase avec l’histoire qui entrera dans la légende. Les autres jeux seront ou en avance sur leur temps ou en retard - ce qui n’affecte pas leurs qualités intrinsèques, mais les empêchera d’entrer dans la légende -. Et cette dimension-là est, semble-t-il, la plus importante parce qu’elle est se raréfie avec le temps ; il est plus simple de marquer l’histoire, de faire l’histoire, d’accoucher l’histoire, de naître de l’enfantement de l’histoire quand une histoire en est à ses prémices ou à ses débuts.

Il me semble logique que la plupart des jeux cultes soient issus du passé du jeu vidéo ; je placerai la période la plus faste et prolifique en jeux cultes grosso modo dans la période allant Super Nintendo à la Playstation. C’est un âge d’or, riche en jeux culte et c’est là le problème, cet âge d’or est révolu, le jeu vidéo est passé dans son age de raison, il y a toujours de très bons jeux qui sortent, mais finalement parmi les grands titres assez peu sont devenus cultes. Il y en a bien sûr, il y en aura toujours, mais ils se font rares, sous-entendu la production vidéoludique contemporaine est moins « historique » que la précédente. J’ai la sensation que #lesjoueurs, sont nostalgiques de cette époque parce que certains d’entre eux n’ont pas pu ou pas su « profiter » de cet âge d’or du jeu vidéo. Ils sont des joueurs modernes qui jouent à une époque où les jeux vidéo sont devenus plus normés, plus industriels, plus rentables, plus efficaces, plus spectaculaires, mais aussi moins historiques, ou si peu. Alors, je suppose / pense / imagine / envisage que ces joueurs sont nostalgiques un peu mais frustrés surtout de ne pas avoir connu cet âge d’or - souvent parce qu’ils sont trop jeunes pour avoir pu le vivre ou l’apprécier à sa juste valeur - et qu’ils collent le terme culte sur tous les hits qui sortent dans l’espoir de pouvoir vivre cette histoire du jeu vidéo, cette page tournée. Afin d’anticiper l’histoire, de ne pas manquer le prochain jeu culte, comme s’ils ignoraient que ce qui fait le culte, c’est le temps et pas une décision arbitraire. Cela me donne la même impression que ces jeunes qui vont dans les festivals musicaux actuels et qui prétendent refaire Woodstock …

Je suis sûr que c’est la même quête du culte, la même envie de revivre l’histoire à défaut de la faire, qui anime une partie des rétrogamers cette caste que je trouve énigmatique et névrosée - à par les pauvres et les purs collectionneurs d’objets que je respecte -. Malheureusement pour eux je crois qu’ils sont dans l’erreur et leur quête est vouée à l’échec parce qu’ils oublient une chose : on ne peut pas revivre l’histoire. On peut la rejouer, comme ces amateurs de reconstitution historique, mais si la forme est là, l’esprit, l’air du temps n’y est plus et ne peut plus y être. Prenons l’exemple de Final Fantasy VII qui je fais un bon cas de jeu culte ; en 1997 Final Fantsy VII est une claque énorme pour tous les joueurs qui le rencontre. Pour le petit joueur occidental sans grand vécu RPG FF VII c’est une claque esthétique, claque visuelle, narrative, scénaristique, même en terme de game play c’est une claque, le jeu prend le joueur et le marque à vie. Mais, en 2013, impossible de prendre la même claque tout simplement parce qu’il y a eu 16 ans de jeux vidéo entre ces deux moments. Le joueur a joué à d’autres jeux, souvent plus beaux, parfois mieux racontés et mieux scénarisés et il a connu d’autres game play, il a joué à des jeux qui se sont inspirés de FF VII, il a joué à des jeux qui ont voulu dépasser FF VII et alors que le joueur de 1997 était quasiment vierge du RPG, celui de 2013 ne l’est pas et cette différence est fondamentale autant qu’elle est impossible à combler. Cela ne nous empêche pas d’apprécier FF VII pour ses qualités - et Dieu sait qu’il en a - mais ce n’est pas pareil, on ne peut pas éprouver en 2013 l’expérience que les joueurs de 1997 on pu connaître. On peut apprécier le jeu, le faire, le refaire, l’aimer mais on ne peut plus approcher ce qui a fait que FF VII est devenu culte, ou ce qui a rendu Alone in the Dark culte. La seule manière d’approcher cette expérience du culte ce n’est pas en jouant mais peut-être avec une approche intellectuelle, historique et culturelle.

D’une certaine façon, c’est comme regarder le Quadrangle de Malevitch. Si vous le montrer à une personne qui n’a pas une culture de l’art particulière elle voit un carré noir sur fond blanc et elle fait une remarque du genre « quoi ? ça c’est de l’art ? mais c’est n’importe quoi, je peux le faire - ou la variante : mon fils de 4 ans peut le faire - » et ces réactions sont compréhensible parce que justement nous ne sommes plus en 1915 et aujourd’hui le concept de l’art abstrait est entré dans les mœurs. Pour apprécier cette œuvre, il faut imaginer l’audace, le courage et le génie qu’il a fallu pour la première fois penser l’art de cette façon et le sortir des normes classique. Ce qui semble évident cent ans plus tard ne l’était pas cent ans auparavant. Pour moi c’est la même chose avec les jeux culte, y rejouer, y jouer en dehors de leur époque ne permettra jamais d’éprouver le sentiment qui a rendu ce jeu culte parce que l’air du temps à changé, elle s’est elle-même nourrie de tous les jeux cultes et a ensuite nourri / enrichi l’imaginaire et la culture des joueurs les vaccinants aux éléments cultes des jeux cultes. Aujourd’hui on peut simplement en acter la présence, reconnaître la valeur culte des jeux cultes de façon factuelle mais on ne peut plus la vivre ou la ressentir. Je crois que d’une certaine manière les joueurs ne sont pas dupes, ils savent qu’il y a une hiérarchie implicite dans l’expérience des jeux vidéo et particulièrement des jeux cultes. Ce n’est pas pour rien que dans une discussion un joueur glissera qu’il a fait le jeu « à l’époque »...

• Il aurait donc dans la hiérarchie des joueurs, le joueur qui a joué au jeu culte avant tout le monde, en japonais sur la console japonaise > le joueur qui a joué à la version française sortie quelques mois /années après dans une traduction approximative > le joueur qui a fait le jeu sur émulateur parce que l’on était passé à une autre génération de console > le rétrogameur qui refait le jeu après tout le monde sur un support désuet mais d’origine > le joueur qui fait le jeu dans une adaptation pour un support bâtard genre DS ou PSN > le joueurs qui a joué à un épisode récent de la série mais pas à l’épisode culte > le joueur qui n’ont pas joué à ce culte.

Alors quelque part un jeu culte est un jeu perdu. Et les joueurs qui jouent à des jeux parce qu’on leur a dit qu’ils étaient cultes sont obligés de croire ce que l’on dit parce que l’impression qu’ils pourront se faire du jeu pourra être trompeuse ; et elle le sera toujours, trompeuse.

C’est en cela tout de la qualité et du défaut que l’adjectif culte peut apporter à un jeu. C’est une qualité parce que l’adjectif culte supplante tous les autres qualificatifs ; si les joueurs décident de croire que tel jeu est culte alors ils ne verront plus que le culte, ils oublieront les défauts et zapperont les qualités. Pas étonnant alors que les gens du marketing et une partie des journalistes abusent de ce terme culte, tout simplement parce que c’est vendeur. Si le subterfuge consistant à faire croire aux clients / joueurs que les distributeurs sont légitimes pour adouber un jeu au rang de culte fonctionne alors les joueurs viendront à ce jeu pour ne pas manquer l’histoire, ils prendront le jeu tel quel sans remettre en question défaut ou qualité et en plus il sera heureux. Les journalistes eux abusent de ce terme parce que c’est devenu un terme fourre tout, il évite de développer les qualités ou les défauts, il permet de dire une chose vague et générique parce que le terme a perdu de sa valeur, en même temps cela permet aussi d’écrire l’histoire à sa façon. Mais le culte peut aussi être un défaut, principalement quand dans une lignée de jeux vidéo, on compte un parent culte. Le jeu culte pèse sur tous ses descendants de la grandeur de sa valeur culte. On n’a de cesse de comparer les jeux suivants au père culte et s’ils ne sont pas au niveau de l’illustre ancêtre, on lapide le jeu sans prendre en compte ses qualités intrinsèques ; les grands exemples de cela sont à mon sens les séries Final Fantasy, Resident Evil et Metal Gear Solid. Parce que les épisodes récents ne sont pas au niveau ni dans la même veine que leurs ancêtres cultes ont dénigre les titres récents pourtant il y de vrais qualités dans les jeux qui sont venus par la suite.

Au final, je ne sais pas trop quoi penser des jeux cultes, si ce n’est qu’il n’y a pas de recette pour donner naissance à ces jeux-là. Je crois que l’utilisation abusive du terme en a amoindri et l’intérêt et l’impact ; en même temps c’est le prix à payer pour avoir un outil comme internet qui permet à tout le monde de tout dire et son contraire et sa nuance. Pourtant il est indéniable qu’il existe des jeux cultes qui sont pour moi comme des jeux-charnières dans l’histoire du jeu vidéo ou comme des jeux-piliers selon comment vous envisagez la culture vidéoludique. J’ai essayé de citer le moins de jeux possible pour ne pas entrer dans des querelles de chapelle stériles et puis surtout je me garde ce sujet pour une prochaine liste participative. Ce qui est assez extraordinaire sur ce sujet c’est que, finalement, je n’ai pas abordé un point qui me semblait primordial à l’époque où j’ai eu envie / idée de cet article, c’est la réception des jeux cultes. Il y a donc jeu culte quand il y a un discours qui annonce que le jeu est culte et on a tous été victimes / artisans / partisan de ce système, on a tous joué un jour à un jeu parce qu’on avait dit qu’il était culte et on souvent ressenti une petite déception. C’est justement parce qu’un jeu culte est un jeu perdu et que les attentes cultissimes ne peuvent être que déçues. C’est pourquoi il ne faudrait jamais jouer à un jeu culte parce qu’il est culte, la seule bonne raison d’y jouer devrait être une volonté scientifique afin d’observer, essayer d’analyser ou de comprendre les mécanismes qui ont rendus culte un jeu ; y jouer parce qu’il est culte est une posture d’arrière garde. Décréter qu’un jeu est culte c’est une façon de le faire rentrer au hall of fame du jeu vidéo et il faudrait comme dans le sport où lorsqu’un sportif rentre au hall of fame on retire son maillot que dans le jeu vidéo quand un titre devient culte il sorte de la liste des jeux auxquels jouer.

Non, bien sûr, ce dernier paragraphe était radical, exagéré et excessif même s’il se nourrissait d’une part vraie de ma pensée. Parce qu’il y a une chose paradoxale avec les jeux vidéo cultes c’est que lorsqu’on y joue à l’époque on ne réalise pas toujours qu’ils sont cultes, on peut en avoir l’intuition mais c’est rare, on est prit par le jeu, par l’instantané, l’instant présent et même si par la suite on va propager la parole selon laquelle tel jeu est génial on ne mesure pas que l’on a joué à un jeu culte. Et par la suite les joueurs qui viennent dans un second temps ne peuvent que très difficilement éprouver ce que l’on a éprouvé en y jouant pour la première fois. Comme si le jeu culte échappé nécessairement aux joueurs et c’est d’ailleurs peut-être juste pour cela qu’il est culte …

Note : 5/5 la note maximale pour cet article qui me tenait à cœur et à tête depuis bien longtemps. C’est autant un plaisir de l’écrire qu’un soulagement d’enfin le terminer cet article qui me hantait depuis si longtemps. Au final, vous trouvez peut-être son contenu un peu maigre, pas assez exhaustif, je ne cite pas beaucoup de jeux cultes, je prends parfois trop de pincette dans mes formulations, mais c’est parce que j’envisage cet article comme une porte d’entrée pour d’autres digressions sur le sujet plus tard. J’avais comme ambition pour cet article de poser les bases d’une réflexion que vos commentaires alimenteraient. Les commentaires tardent à venir comme c’est souvent le cas pour un article qui dépasse les 2000 mots, mais je ne perds pas espoir.